12. Februar 2002

Visionen werden manchmal Wirklichkeit. Elsa, angeklagt, ihren Bruder umgebracht zu haben, träumt von einem Mann, der sie erretten und von der Schmach des Brudermordes befreien wird. Sie träumt ihn förmlich herbei, diesen Ritter, der auf einem Schwan daherkommt.

Nicholas Broadhurst zeigt diesen Schwan mittels Filmprojektion, zugeschnitten auf Elsas Leib; dort sieht man ihn mit wogend weiten Flügelschlägen. Lohengrin ist also eine Projektion Elsas: plötzlich steht er hinter ihr. Der Glaube kann Berge versetzen, heißt es. Elsas Glaube lässt Lohengrin Wirklichkeit werden. Dazu klingt eine sakral anmutende Musik, deren feine harmonischen Verbindungen Generalmusikdirektor Stefan Blunier sorgfältig herausarbeitet.

Der Regisseur hat also genau auf die Musik gehört. Zugleich bringt er den Lohengrin-Mythos, indem er den Schwan auf Elsas Leib projiziert, mit dem antiken Mythos von Leda und dem Schwan in Verbindung.

Doch weder Antike noch Romantik ist in Broadhursts "Lohengrin"-Inszenierung angesagt, sondern er hat den Stoff in unsere Zeit mit ihren jüngsten kriegerischen Auseinandersetzungen verlegt. Der Zwischenvorhang spielt ausdrücklich auf den Kosovo-Krieg an: Laut Programmheft zeigt er die "Leichen getöter Albaner im Brunnenschacht eines Dorfes."

Gleich zu Beginn, zur ätherisch schönen Sphärenmusik des Vorspiels, das die lichte Welt Lohengrins mit höchsten Streichertönen widerspiegeln soll, bringt der Regisseur den Tod ins Spiel: Tote Schwäne werden versandfertig abgepackt. Ein Vorgriff auf Wagners Spätwerk Parsifal, mit dem die "Lohengrin"-Musik verwandt ist - schließlich ist Lohengrin der Sohn jenes Parsifal, der mit dem Töten heiliger Schwäne ein Sakrileg begangen hat.

Nichts ist mehr im Gleichgewicht in dieser Welt des Krieges. Jon Morell hat ein Einheits-Bühnenbild entworfen, das an eine zerschossene Fabrikhalle erinnert: eine von Granaten zerfetzte Rückwand, ein Halde verbrannter Erde und Mauerwerk. Wie kann in dieser Welt der Zerstörung Elsa überhaupt noch eine Beziehung zu Lohengrin aufbauen? Die Ehe von Ortrud und Telramund, der diese Frau nur geheiratet hat, weil sich Elsa ihm verweigerte, diese Ehe ist längst zerrüttet.

Broadhurst hat mit seinem Ausstatter Morell die Zeiten in den Kostümen bewusst durcheinandergebracht: Die agierenden Personen, Soldaten und die Protagonisten tragen moderne Kleidung, König Heinrich und seine Mannen dagegen mittelalterliche Ritterkostüme und -rüstung, um die zeitlose Institution der Macht zu symbolisieren. Das wirkt gewollt, verweist auf "Lohengrin" als Fantasy-Märchen, ist aber wohl auch typisch englisch: Schließlich tragen in England die Richter noch Perücken wie zu längst vergangenen barocken Zeiten.

Und wie schon im "Figaro", der ersten Darmstädter Inszenierung des Regieteams Broadhurst-Morell, haben die beiden auch jetzt wieder eine Art Baustelle auf der Bühne installiert. Schließlich herrscht Krieg, und in Kriegszeiten muss Zerstörtes wieder aufgebaut werden.

Doch an dieser überdeutlichen Nähe zur kriegerischen Gegenwart mit vielen Soldaten aus aller Herren Länder, mit allerlei Kriegsgerät bis hin zu einer riesigen Radaranlage (im Schlussbild) und Raketen sowie Gefangenen, die eingepfercht sind wie Hühnervieh in ihren Käfigen, haben sich offenbar viele Zuschauer gestört, obgleich im Text oft von Krieg und einer starken Nation die Rede ist.

So mussten Broadhurst und Morell am Ende der mit zwei Pausen genau viereinhalb Stunden dauernden Premiere am Sonntag einen Schwall von Buhs über sich ergehen lassen, während sich die Begeisterten nicht so recht durchsetzen konnten. Endlich habe einer mal mit dem "alten Wagner-Mief" aufgeräumt, meinte ein Zuschauer.

Dieser Ansicht waren wohl auch viele Sänger und applaudierten dem Regieteam zu. Hubert Bischof umarmte gar Broadhurst demonstrativ, als wollte er damit signalisieren: Seht her, welch großartige Arbeit dieser Regisseur geleistet hat!

Bischof hat als Telramund jedenfalls von der guten Personenregie profitiert. Selten hat man diesen stets engagierten Sänger mit solcher Intensität und Darstellungskraft erlebt. Regelrecht gerührt von dem geradezu überwältigenden Beifall war Doris Brüggemann als Elsa.

Sie hatte diesen Applaus verdient. Wie sie den Text artikulierte, jeder Nuance nachspürte und dabei stets kraftvoll ihre Stimme ertönen ließ, das war großartig. Susan Owen verschaffte mit Macht der Ortrud Gehör und reicherte ihre Partie mit bestens passender hysterischer Schärfe an.

Ein Gewinn im Ensemble dürfte Friedemann Kunder sein, der mit schönen und markanten Tönen König Heinrich gesangliche Statur verlieh. Der in der Titelpartie gastierende Ralf Willershäuser brachte in den ariosen Teilen zwar schönes Stimm-Material ein, doch schien er manchmal nicht ganz auf der Höhe seines Parts zu sein.

Mit seiner schönen wie wohlgerundeten Stimme nahm sich Anton Keremidtchiev des Heerrufers an. Durchweg Bewunderung ist den von André Weiss bestens einstudierten Chören zu zollen. Selten kamen die Worte so deutlich und passgenau herüber. Das Orchester des Staatstheaters leistete unter Stefan Blunier famose Feinarbeit in der Abstimmung und in den harmonisch wunderbar modern klingenden Bläsersätzen.

Broadhurst stellt das tragische Schicksal von Elsa in den Mittelpunkt des Geschehens, dem Lohengrin wie ein Unbeteiligter gegenübersteht. Er ist nicht von dieser Welt. Und wenn sich Elsa mit Ortrud verbal auseinandersetzt, was der Ausstatter mit einer regelrechten Modenschau unterstreicht - diese Frauen benutzen die Kleidung als Waffe und Machtdemonstration -, kann Lohengrin, der dies aus der Distanz beobachtet, mit derlei menschlichen Konflikten nichts anfangen.

Elsa und Ortrud leben - im Gegensatz zu Wagners Vorlage - am Ende weiter. Die Krisen werden weiter gehen. Wie kann auch Friede einkehren, wenn noch nicht einmal die Konflikte im Inneren der Menschen bewältigt werden? Das ist wohl die Kernaussage von Broadhursts Inszenierung des "Lohengrin".

12. Februar 2001

Es sei gleich zu Anfang verraten: Es gibt einen Schwan. Genauer gesagt gibt es sogar eine ganze Reihe von Schwänen. Sie hängen in der Neuinszenierung von Richard Wagners Lohengrin, die am Sonntag am Staatstheater Darmstadt Premiere hatte, an Fleischerhaken von der Decke oder an der blutverschmierten Kachelwand.

Brabant ist ein Schlachthaus, eine Tötungsmaschine: Regisseur Nicholas Broadhurst und Bühnenbildner Jon Morell setzten mit ihrer Interpretation von Wagners Oper die Reihe der "schwarzen" Lohengrin-Inszenierungen fort, die 1999 in Bayreuth mit der Produktion von Keith Warner begann. Bei Broadhurst herrscht Krieg: Vor diesem Hintergrund schildert er das Scheitern von vier Menschen.

Der englische Regisseur und sein Bühnenbildner sehen das Herzogtum Brabant und König Heinrich bereits im Kriegsstand - wenn das Gottesgericht über Elsas Schicksal entschieden hat, geht es gegen die Ungarn. Angesichts des Kosovo- und des Afghanistan-Krieges fiel es dem Produktionsteam nicht schwer, aktuelle Bezüge herzustellen. Und so ist ihr Brabant, ihre Bühne bevölkert von Soldaten, Arbeitern im Blaumann und von Schlächtern, die sich die blutverschmierten Gummihandschuhe an der weißen Schürze abwischen, um sich dann die Schutzhaube gerade zu rücken. Die brauchen sie auch: Schon der Zwischenvorhang zeigt die Leichen getöteter Albaner im Brunnenschacht eines Dorfes. Mittendrin, verbissen unter der Fahne mit schwarzem Adler und goldenem Kreuz auf blutrotem Grund um die Macht kämpfend: im farblich gedeckten Zweireiher der Polit-Profi Telramund, zickig in Pink dagegen seine First Lady Ortrud, dezent geschminkt, das Haar tadellos sitzend.

In diese Szenerie vor dem Erstschlag, einer Kriegs-Fabrik kurz vor Produktionsbeginn lässt Nicholas Broadhurst Lohengrin einbrechen, die Figur aus der Welt des Wunderbaren, des Übersinnlichen, des Mythos. Lohengrin kündigt sich wahrhaftig als Lichtgestalt an: Der Schwan - es gibt ihn also nicht nur am Haken ! - erscheint als Projektion auf dem weißen Gewand Elsas - ein überraschender und gelungener Einfall der Regie. Elsa verkörpert so tatsächlich die Verbindung zwischen der menschlichen und der göttlichen, jenseitigen Ebene. Sensibel und zart erzählt der Regisseur ihre Liebesgeschichte mit Lohengrin, der Kontrast zwischen der irdischen und der überweltlichen Liebe, den Wagner in dem Figurenpaar ebenfalls thematisierte, ist hier schlüssig herausgearbeitet.

Beider Scheitern erscheint bei Broadhurst nur konsequent. Bereits im Augenblick nach dem Gelöbnis, keine Fragen zu stellen, quälen diese Fragen die scheue, grüblerische, von der sie umgebenden Macht-Maschinerie eingeschüchterte Elsa. Der sich zuerst burschikos-kumpelhaft gebende Lohengrin ist andererseits doch zu schwach, Elsas Glauben an das Wunderbare auf Dauer aufrecht zu erhalten. Wenn er am Schluss über die Trümmer der Kriegs-Fabrik hinweg ins Nichts verschwindet, ist das keine Rückkehr in "Glanz und Wonne" Montsalvats.

Broadhurst kann nicht der Vorwurf gemacht werden, Typen statt Charaktere zu zeichnen. Auch sein Telramund ist bei aller Machtgier verletzlich und schwach, Ortrud dagegen überzeugt durch ihr konsequentes Festhalten am Racheplan.

In das an sich schlüssige Konzept des Regisseurs aber haben sich überflüssige Schwächen eingeschlichen. So fragt sich der Zuschauer verblüfft, warum König Heinrich, der an der Spitze der modernen Kriegsmaschine steht, im mittelalterlichen Kostüm auftreten muss. Und für Gelächter im Publikum sorgten die Pappmaché-Raketen, die im dritten Akt aufziehen, als stünden sie auf einem Karnevalswagen und nicht in der Kommandozentrale eines Kriegsherren.

Musikalisch zeigte der Darmstädter Lohengrin weit weniger Brüche. Stefan Blunier, erst seit 2001 Generalmusikdirektor des Staatstheaters, hatte das gelöst und präzise aufspielende Orchester jederzeit im Griff. War das Vorspiel mit breiten Tempi und zart-duftigen Streichern wahrhaftig ins vielzitierte Lohengrin-Blau getaucht, so griff Blunier gerade im dritten Akt beherzt zu und ließ das Blech strahlen, ohne in plumpen Bombast abzurutschen. Sängerisch gefiel am besten Doris Brüggemann als Elsa, die exzellente Diktion und warm-timbrierten Sopran hören ließ und Durchhaltevermögen zeigte.

Ralf Willershäuser gab eher einem lyrischen denn einem heldischen Lohengrin Ausdruck und geriet dabei in den dynamisch exponierten Passagen leicht unter Druck. Das zeigte sich auch bei der Ortrud von Susan Owen. Ihr Sopran überzeugte daneben aber durch ausdrucksvolle Farbigkeit. Hubert Bischof entfaltete erst im zweiten Akt sein ganzes Können und verlieh Telramund mit seinem volltönenden Bariton Profil. Friedemann Kunder als König Heinrich nahm auch die hohen Partien kraftvoll und weich und bewies Ausdauer, während Anton Keredtchiev volltönend und glänzend als Heerrufer Akzente setzte.

Keinesfalls dahinter zurück standen die Leistungen des Staatstheater-Chores, den André Weiss einstudiert hatte. Das Premieren-Publikum belohnte die musikalische Seite des Abends mit riesigem Applaus, doch gab es einige Buhs für Regisseur Broadhurst.

12. Februar 2002

Das Ereignis dieser Aufführung ist ihre musikalische Umsetzung. Man spürt aus jedem Ton die Kontinuität einer Darmstädter Tradition. Nahezu nahtlos scheint nun Stefan Blunier als neuer GMD diesen Weg fortzusetzen. Das berühmte, so heikle Vorspiel kommt bei ihm aus einer unendlich scheinenden Ferne: Hier bildet sich die Sphäre des Wunders, die die Szene dann verweigert.

Blunier lässt sich Zeit, er kann Pausen bis an den Rand des Zerfalls dehnen, ohne dass Spannung verloren ginge. Der Puls der Musik schlägt ruhig, aber gerade damit verdichtet Blunier die Spannungsfelder. Das Orchester besticht dabei durch sein flexibles Spiel, die instrumentalen Stimmen sind klar durchgezeichnet, werden bisweilen aber auch sanft abgedunkelt. In die oben genannte Kontinuität ist auch der Chor eingebunden, im "Lohengrin" durch den Extrachor verstärkt. Er verblüfft durch seine Intonationssicherheit ebenso wie durch seine klaren Konturen, die auch in der Fülle, in der Emphase (Ankunft des Schwans) nicht verschwimmen. André Weiß als Chorleiter hat glänzend gearbeitet. Selten sah man bei einem "Lohengrin" den Chor so bunt: König Heinrichs Gefolge formiert sich aus einer Art Mönchsritter, die Brabanter halten es eher neuzeitlich mit Blaumann, Alltagskombination, Schwesternkittel oder Kampfanzug, und Elsas Damen dürfen als Schreckschrauben auftreten - Jon Morrell hat das alles entworfen, er war auch für das Einheits-Bühnenbild verantwortlich, eine sich verjüngende Mehrzweckhalle, die ein hoher Steg überquert. Die Rückfront zeigt ein großes Loch, offenbar von einer Granate gerissen. Denn Regisseur Nicholas Broadhurst, der schon einen frechen "Figaro" inszeniert hat, erkannte, dass die Brabanter nicht erst in den Krieg ziehen sollen, sondern schon einen führen.

Dieses Volk scheint ohnehin ziemlich mordlustig und brutal, auf einer Seite reihen sich die Gitter des Staatsgefängnisses, zur Linken rinnt Blut von den Wänden, auch drei Gehenkte sind kurzzeitig zu sehen. Bilder aus dem Kosovo hatten Broadhurst dazu angeregt. Und in diese Richtung zielt wohl auch das Brautgemach als eine von Kisten eingerahmte Provisoriumsecke des Raums mit vielen Kerzchen. Das Fatale: Diese Bilder bleiben ohne Konsequenz, auch dann, wenn im Finale putzige Marschflugraketen herangezogen werden.

Das Drama der zwei Paare und des letztlich biederen Königs spült solche Einfälle weg, der Rest erweist sich dann erstaunlich traditionsbehaftet, bisweilen durchaus griffig, spannend oder anrührend. Ausnahme: die Ankunft des Schwans. Die wird auf dem Gewand der Elsa sichtbar, auf das ein eilig fliegender Schwan projiziert wird. Immerhin, es ist ja Elsas Gebet, die den Gralsboten herbeizwingt. Doris Brüggemann als Elsa überragt denn auch die Solisten mit ihrer reinen Stimme, die so beseelt, hingebungsvoll, auch verzweifelt klingen kann. Ralf Willershäuser als Lohengrin darf ziemlich burschikos auftreten, zeigt einige Intonationstrübungen, steht jedoch die Partie auch in den lyrischen Momenten durch. Susan Owen als Ortrud muss sich da mehr anstrengen, der Tonansatz wirkt meist steif, die Stimme scheint derzeit ermüdet.Telramund wird von Hubert Bischof genau gezeichnet, trotz einiger Unruhe des Baritons. Gestanden und satt klingt der König Heinrich von Friedemann Kunder, Anton Keremidtchiev gibt dem Heerrufer eine souveräne Statur. Triumph für Blunier, wilde Buhs für die Regie.

Krieg, Macht, Liebe
Darmstädter Neuinszenierung von Richard Wagners "Lohengrin"

Als der Engländer Nicolas Bradhurst vor zwei Jahren Mozarts "" inszenierte, provozierte er mit seiner grotesk-ironischen Version neben vielen Bravos auch kräftige Buh-Rufe. Bei seiner Deutung von Wagners "Lohengrin" blieb er sich treu und benutzte ähnliche Bilder und Metaphern.

mannheimer morgen
22 Februar 2002

An den Ufern der Schelde müssen die Schwäne ordentlich Federn lassen, denn während Stefan Blunier die fein ziselierten Silberfäden des Lohengrin-Vorspiels entspinnt, lüftet sich der Vorhang mit silbriger Mondlandschaft und gibt den Blick auf den VEB "Schwäneschlachten" frei, in dem die einstmals prächtigen Zaubervögel vornüber und kopflos an Förderbändern hängen, um der Verarbeitung zu versandfertigen Grill-Hähnchen entgegen zu ziehen. Jon Morell hat sich für Einheitsbühne und Kostümgestaltung etwas einfallen lassen, zuviel allerdings.

Der Zwischenvorhang entpuppt sich bei Lektüre des Programmheftes nicht als Silbermond mit Fußstapfen eines Überirdischen, sondern als Brunnen-Einblick mit Kriegstoten aus dem Kosovo und die Fabrikhalle ist zur Brandmauer hin eine kriegsbedingte Schutthalde. Brabant ist trotz Ruinen bis an die Zähne hochgerüstet, eine Kriegsmaschinerie in der kein Platz ist für Erlösungshelden. Elsas Retter aus friedlichen Gefilden kann nach Sicht des Regisseurs Nicholas Broadhurst nur Projektion sein, und der heilbringende Schwan wird ihr daher auch flatternd auf den Leib projiziert, während sich Lohengrin unbemerkt auf den Plan stiehlt, ein schönes Bild, aber leider auch das einzige des Abends.

Denn soviel Ungereimtes war selten um Wagners romantische Erlösungsoper, auch wenn die Idee eines schwarzen Lohengrin keineswegs neu ist, und bei gelungener Dramaturgie durchaus ihre Reize hat. Doch hier wird ein innerer Zusammenhang billigen Effekten geopfert, denn wer zu stark auf Schockbilder setzt, die Edlen von Brabant als eine dröge Masse der Werktätigen in Blaumännern und Kittelschürzen wie festgemauert rampenparallel zementiert, der tötet den ohnehin sehr statischen ersten Akt szenisch völlig. Viele brauchbare Ansätze wurden in der konfusen Vielfalt spleeniger Ideen konsequent verspielt. So beichtet Elsa den lauen Lüften ihre Bedenken in Jeans und Sportbluse, um wenig später in goldbestickter Theaterherrlichkeit in das Münster zu ziehen.

Generalmusikdirektor Stefan Blunier setzt glücklicherweise nicht auf Bleigrau sondern immer noch auf silbriges Blau und entwickelt am Pult mit sicherer Hand eine harmonische Feinabstimmung zwischen zarten Streichern und präzisen Bläsereinsätzen. Auf diese Weise erlebt man in Darmstadt, was mancherorts üblich ist: szenisches Chaos in einem musikalisch einwandfreien Abend mit außergewöhnlich punktgenauen und gut verständlichen Choreinsätzen (André Weiss) sowie ambitionierten Solisten: Doris Brüggemanns großartige Elsa, mit klarer Diktion und kraftvoller Stimme, Susan Owens durch eindringliche Schärfe und darstellerische Präsenz überzeugende Ortrud und Ralf Willershäusers wenn auch leicht angestrengter, so dennoch mit solidem Stimmaterial ausgestatter Lohengrin überzeugen mit ihren Kollegen das Publikum, das für die Regie nur lein Buhgewitter übrig hatte.

Samstag, 16. Februar 2002

Das Kind ist in den Brunnen gefallen. Die weißen Schwäne werden zur Schlachtbank geführt. Und zu jeder Zeit herrscht Krieg. Unmissverständlich ist die Deutung der Fotodokumentation auf dem Bühnenvorhang und der kurzzeitige »Durchblick« während der Ouvertüre. Kind und Schwan sind eins. Dies zeigt das Schlussbild. Doch zunächst steht Elsa im Büßergewand mit nackten Füßen im Schlachthaus und soll sich verteidigen. Brudermord lautet die Anklage. Gott soll richten. Da erscheint kraft ihrer Vision »ihr Ritter« und schlägt Telramund, den Ankläger im Kampf. Doch der Ritter schenkt dem Feind das Leben und die Intrige nimmt ihren Lauf.

Viereinhalb Stunden zieht sich Richard Wagners »Lohengrin« am Staatstheater Darmstadt hin. Weit aus treffender wäre wohl »Elsa« als Titel gewesen. Darauf fokussierte Regisseur Nicolas Broadhurst gemeinsam mit Jon Morrell (Bühnenbild und Kostüme) den Blick. Und DorisBrüggemann bot »große Oper«. Mühelos, warm-leuchtend und eindringlich gestaltete sie ihre Partien und zeichnete eine Elsa, die naiv, gottgläubig und engelsgleich sich ihrem Schicksal ergibt. Eine Entwicklung, wie sie Broadhurst in seiner »Anima-These« anpeilte, findet allerdings nicht statt. Elsa durchleidet und durchlebt größte Not und höchstes Glück und sinkt am Ende ermattet auf den Kopf ihres zurückgekehrten Bruders.

Elsa als willfähriges Opfer

Lohengrin entschwindet über den Berg aus Schutt und Asche hinaus ins Licht. »Durch die Linse ihres Animus« schaute sie in Lohengrins Seele. So wollte Broadhurst die Erscheinung Lohengrins zeigen und ließ ihn aus Elsas Schatten hervortreten, während auf ihrem Gewand ein weißer Schwan mit weit ausschwingendem Flügelschlag erschien. So weit, so gut.

Animus und Anima gründen auf C. G. Jungs Erkenntnis vom Seelenbild des jeweils anderen Geschlechts im Unbewussten. Soll der Prozess der Selbstverwirklichung gelingen, so kommt es darauf an, Animus/Anima im Unbewussten von Frau/Mann zu integrieren. Kraft ihres Unterbewusstseins gelang Elsa scheinbar eine Projektion Lohengrins. Dies verträgt der erste Akt. Eine vollkommene Integration lässt indes alleine das Sujet nicht zu. Elsa ist auch in Darmstadt willfähriges Opfer steter Intrige. Tief bohrt sich der Giftstachel Ortruds in ihr Herz. Und der Chor (mit sattem, jedoch nicht immer homogenem Klang und wenig präziser Artikulation) schaut zu. Auch König Heinrich (Friedemann Kunder, bezüglich der Aussprache irritierende, in der Stimme dennoch markige Erscheinung), längst von seinem stählernen Ross herabgestiegen, verharrt inmitten der Menge in starrer Betrachtung.

Bewusst konstruierte Langsamkeit

Solche großartigen statuarischen Ensemble-Szenen bot Broadhurst in seiner Inszenierung häufig. Aus dieser bewusst konstruierten Langsamkeit kann Intensität erwachsen, jedoch auch Langatmigkeit. Immer wieder für Aufregung und kurzweilige Heiterkeit sorgte indes der Rahmen. Den Schauplatz der gesamten Oper bildete das Innere eines Schlachthauses mit seinen blutverschmierten Wänden und seinen zur Schlachtung vorbereiteten Schwänen. Langsam zogen sie an den Laufbändern vorüber. Später hängen hier die herzoglichen Fahnen und schließlich die kleinen Bomben mit ihren rot leuchtenden Nasen. Ein großer Metallsteg quer durch den Raum und ein Balkon bildeten das Plateau für wirkungsvolle Massen-Auftritte. Nach hinten türmte sich ein großer Schuttberg auf und mündete in einemgroßen Loch. In dieser Atmosphäre brutaler physischer wie psychischer Gewalt herrschte tausendjähriger Krieg. Darauf deutete die Versammlung aus Rittern der Zeit Heinrich des Voglers, neuzeitlichen Freischärlern, Soldaten, Rebellen und Trümmerfrauen.

Das Schlussszenario weckte Assoziationen an ein NATO-Hauptquartier. In diesem düsteren Umfeld schien der Anblick von drei aufgeknüpften Leichen am Rande der Bühne zu Beginn des zweiten Aktes für einige Besucher nicht erträglich. Statt nächtlicher Ehegatten-Zweisamkeit schaufelte Telramund ein Grab aus, scharf bewacht von Soldaten, während Ortrud sein Tun abschätzig verfolgte. Hier an dieser Stelle wird Telramund im dritten Akt sterben. Doch nicht in derGrube, sondern auf dem Hochzeitsbett von Elsa und Lohengrin. Kartons und Kerzeninseln wie in der Kirche grenzten das angebliche Brautgemach zum übrigen Raum ab. Am Kopfende prangten Schwert und Kreuz zugleich. Dass hier kein Liebesgeflüster stattfinden würde, stand von Anfang an außer Frage. Zäh plätscherte der Zank der Frischvermählten dahin. Unangepasste Action bescherte der Mordversuch Telramunds mit seinem goldenen Schlachtbeil an Lohengrin. Mit übermächtiger Vehemenz rammte Lohengrin das Schwert in die Holzkonstruktion, und das Publikum lachte.

Mangelnde Intonation

Solche Durchschlagskraft hätte man sich von Ralf Willershäuser (Lohengrin) inseinen großen Partien gewünscht. Doch der laxe Lohengrin, so irdisch, dass auch Elsa dies hätte erkennen müssen, trübte durch mangelnde Intonation und Klangkontinuität auch stimmlichen Hörgenuss. Und Ortrud, diese Giftmischerin und furienhafte Intrigantin? Ihre Auftritte erregten nur mäßig das Gemüt. Das schrille Pink und grelle Grün ihres Kostüms hob sie aus der sonst gedeckten Masse hervor. In sparsamen Gesten agierte, intrigierte und verfluchte sie (Susan Owen) alles, was ihre Pläne gefährden könnte. Mit zum Teil überbordender Vehemenz in der Stimme attackierte sie Telramund, den Ehemann (ein akzeptabler, jedoch nicht immer ausgeglichener Hubert Bischof) und verlor schließlich im dritten Akt in ihrem Bemühen um maßlose Schärfe und Verachtung die Kontrolle über ihre Stimme. Weitaus aufregender gelang da die Interpretation aus dem Orchestergraben.

Generalmusikdirektor Stefan Blunier schien um äußerste Intensität bemüht. Auf extremen Pianissimo-Zauber angelegt beschwor er Traum und Magie und riskierte auch so mache inkonsistente Klangschwebung. Die Spannung blieb. Und bestimmte handfeste Klangschönheit die Interpretation, so gelang dies mit Brillanz und Schwung.