26. Januar 2002

Spekulieren wir doch mal. Wenn "Maometto II" 1820 in Neapel den Erfolg gehabt hätte, der ihm zukam, und Gioacchino Rossini auf diesem Weg weitergegangen wäre - wäre er dann zu dem Opernrevolutionär geworden, den heute niemand mit seinem Namen verbindet? Es bleibt ein Gedankenjonglieren mit dem Konjunktiv. So kühn wie hier war er jedenfalls sonst nirgends. Und da der Erfolg eher bescheiden war, ebnete er all den Wagemut wieder ein, als er die Oper 1826 für Paris französisierte.

Kanonengrollen. Aus ihm erwächst erst das Vorspiel. Es ist Krieg. Francis O"Connors Ziegelwände sind merklich ramponiert. Soldaten an Krücken, manche mit Kopfverbänden. Einer überlebt das Lazarett nicht. In der elsässischen Opéra national du Rhin ist die Handlung in die 1820er Jahre verlegt, in den griechischen Befreiungskampf. Dennoch ist Rossinis Werk auch in Daniel Slaters Inszenierung nur am Rande eine politische Oper, geht sie auch hier kaum als Vorläuferin von Verdis vaterländischen Fanalen durch.

"Ich finde meinen Liebsten wieder als grausamen Feind": Anna, die Tochter des Statthalters Erisso, singt es, und es spiegelt den - in erster Linie privaten - Konflikt. Der holde Opernzufall will es, dass es ausgerechnet der säbelrasselnde, aber durchaus differenziert betrachtete Türkensultan Mohammed ist, den sie unter falschem Namen lieben lernte. Am Ende ihres Ringens zwischen Pflicht und Neigung siegt die Verantwortung für die Ihren, den Verrat an Mohammeds Vertrauen büßt sie mit dem Freitod.

Am ärgsten trafen Rossinis Pariser Eingriffe die ausgedehnteste Errungenschaft innerhalb der erstaunlichen Großbogigkeit: ein "Terzettone", ein Riesenterzett also. Es spannt sich nicht nur über die Distanz von 25 Minuten - es gibt sogar Bildwechsel darin, und danach wird es fortgesponnen. Vollends lässt Rossini die Arie-Cabaletta-Konvention fast durchweg hinter sich. Und - beinahe schon verwegen: auch Gesangsphrasen unterbricht er mittendrin, wenn eine dramatische Wendung es erfordert. Der Inhalt rangiert plötzlich vor dem Schema, das Drama vor der Form. Und es zeigen sich ganz ungewöhnliche Ansätze zum Durchkomponieren. Dass Rossini die Blechbläserabteilung aufrüstete, dass er ganze Arien, Annas luzides Gebet etwa, durch delikateste Holzbläser-Einkleidung auszeichnete und ihr mehrteiliges Todesfinale zu einer Vorahnung der bellinischen Endlosmelodie gestaltete, adelt das Werk zusätzlich.

Die Musik profitiert von der dramatischen Zielstrebigkeit und der Sorgfalt in der Behandlung des Koloristischen, die der Dirigent Cyril Diederich mit seinem Orchestre symphonique de Mulhouse an den Tag legt. Nur in einem Punkt versagt die musikalische Darstellung ganz. Der Regisseur hatte eingestandenermaßen den Auftritt des Fremden in der Stadt im Auge. Aber gerade seine tönende Sphäre, das Schellenklingklang des Alla-turca-Geschmetters ist irgendwo hinter der Szene fast zur Unhörbarkeit verdammt.

Die Schnapsidee, Anna ihren Kummer inmitten der Feldbetten mit den schmerzgepeinigten Kriegsinvaliden äußern zu lassen, legt Slaters Regie bald ad acta. Immerhin kann die junge Frau sich bei den armen Teufeln nützlich machen. Im Folgenden tendiert Slater unverhohlen zur Opera as usual, wenn auch nicht ganz: Den Widerstreit im Inneren der Gestalten, die Kämpfe ihrer Psychen verfolgt er mit einiger Dringlichkeit und Plausibilität. Und in einer Traumsequenz entwirft er die Utopie eines Reigens der bedrängten Frauen und der Belagerer.

Das vorzügliche, vorwiegend junge und in Rossinis Verzierungswesen einigermaßen kundige Ensemble müsste sich lediglich im Ton etwas mäßigen. Auch wenn man Samuel Rameys Aufnahme nicht aus dem Ohr bekommt, ist Denis Sedovs Maometto ein ausgreifender Erobererbass mit viel Weichheit und Kultur. Stephen Mark Browns Erisso-Tenor zeichnet sich vor allem durch eine unfehlbare Höhe aus. Irini Tsirakidis ist Anna: ein zum Dramatischen neigender Sopran, der Blitze schleudert und auch die Lyrismen mit Ausdruck füllt. Das Ass ist die Albanerin Enkelejda Shkosa als entschlossener Krieger Calbo: ein Koloraturen sprühender Mezzosopran auf Marilyn Hornes Spuren, der Fülle, Umfang und Beweglichkeit paart - fulminant. Da sind Weltkarrieren in der Mache.

Ainsi allégé, ce Maometto est plus digeste et son deuxième acte compte indéniablement de grandes pages dont un trio " familial " où d'aucuns verront une cérémonie initiatique sur les mystères de l'au-delà. En effet, les protagonistes déambulent cérémonieusement autour d'une tombe, comme pour chercher en elle la force et l'inspiration de ceux qui ont déjà rejoint le temps éternel.

Pour le reste, la mise en scène de Daniel Slater est très lisible et favorise volontiers le spectacle, cela se traduit notamment par un final très " cape et d'épée ". Pourtant, loin d'être un contre-sens, cette lecture mouvementée, mais parfois sensible, donne aux acteurs-chanteurs beaucoup de latitude pour déployer leur talent.

Difficile aussi de ne pas entendre dans le livret quelques résonances avec l'actualité récente, en particulier lorsque Maometto explique comment ses espions se sont implantés à Corinthe pour déstabiliser l'armée grecque et décoder son système de défense.

Bien sûr, l'action se situe au XVe siècle, et la soustraction des plans de remparts fortifiés n'est pas comparable à l'obtention de brevets de pilotage pour Kamikaze ; pas plus que les Turcs volontiers sentimentaux de Rossini, ne puissent jamais être soupçonnés de fanatisme moyenâgeux, n'en déplaise à la chronologie.

Mais ce constat nécessaire étant posé, on note non sans stupéfaction que tous les stéréotypes de l'Orient vus par l'Occident sont déjà là : exotisme de pacotille, parfums outrés, couleurs bariolées... et supplices (particulièrement celui du pal dont les croisés savaient aussi faire bon usage en Occident si l'on croit l'écrivain Amin Maalouf). Naturellement, on ne saurait oublier non plus que Rossini composa son Maometto, en pleine guerre contre l'empire ottoman.

Aucune faiblesse dans une distribution où se distingue particulièrement la prestation tant vocale que scénique de Denis Sedov. À 28 ans, sa maturité vocale hors du commun laisse augurer d'une carrière de premier rang. Son physique avantageux contribue également à rendre l'histoire crédible. Qui ne céderait à de telles avances ? Qui ne vendrait père, frère et mari pour de tels yeux, si ce n'est une héroïne d'opéra ? Ici, une Irini Tsiradikis très concernée par le rôle.

Dans la fosse, le chef dirige un orchestre aux couleurs inattendues (les violoncelles) qui témoignent d'une forme grandissante de l'orchestre de Mulhouse. Pour le dépaysement, la qualité d'ensemble, mais aussi se rappeler une fois de plus que la barbarie est un sport universel, ce spectacle est de ceux avec lesquels on ne voit pas le mahométan passer.

Janvier 2002

C'est à nouveau un superbe spectacle que nous propose l'Opéra du Rhin, une maison qui favorise toujours l'homogénéité des distributions associée à un travail d'équipe remarquable, ce qui nous vaut le plus souvent des productions fortes et marquantes. A celà s'ajoute une programmation exigeante, qui permet d'entendre des ouvrages peu donnés. Ainsi, rien que pour cette saison, après la création européenne d'Un tramway nommé désir d'André Prévin, sont proposés Le Prince Igor, et ce Maometto II , production qui est la création scénique de l'ouvrage en France.

Bien des soins ont ainsi été apportés pour cette création, tant au niveau scénique que musical, et le résultat est très probant, on ne sent pas le temps passer durant ces 3 heures de musique, ce, grâce, à une direction d'orchestre très allante et dramatique, et une mise en scène extrêmement vivante. Ce rythme soutenu durant les 2 actes est aussi dû à un certain nombre de coupures. Le chef d'orchestre, Cyril Diedrich, s'en explique très clairement, et, je trouve de manière plutôt convaincante, dans le programme. Pour lui, le rythme dramatique est primordial: "Dans un enregistrement, il serait impensable de faire quelque coupure que ce soit. Sur scène, il faut se concentrer sur l'action, sur ce qui la fait avancer". C'est pourquoi la plupart des reprises sont coupées, notamment celles avec "d'innombrables vocalises "pyrotechniques" " qui constituent pour Cyril Diedrich des reprises "superflues, d'autant qu'elles ralentissent l'action". [ndlr: un avis qui n'est pas du tout partagé par la grande majorité de nos rédacteurs]

Si d'un point de vue musicologique, cette option peut choquer, il faut bien admettre que d'une part, elle est choisie en parfaite entente avec le metteur en scène, et d'autre part...ça marche ! Ca vit, ça avance, c'est trépidant ! La direction de Cyril Diedrich est en effet très allante, sans lourdeur, sans temps mort, mettant en exergue le formidable aspect rythmique de cette musique. Je n'avais pas entendu depuis longtemps l'Orchestre Symphonique de Mulhouse, et il m'a surpris par ses progrès formidables réalisés depuis quelques années sous la direction de Cyril Diedrich justement. Des pupitres très sûrs, une belle sonorité, du beau travail.

Côté voix, celui qui marque la soirée est le Maometto de Denis Sedov, qui marche sur les pas de Samuel Ramey: même physique longiligne, même autorité vocale, même timbre riche et corsé, même insolence des graves et des aigus, facilité des vocalises: c'est déconcertant ! Et s'il devra peut-être travailler sa présence scénique, nous tenons là une remarquable basse colorature qui fera certainement les beaux jours du Festival de Pesaro ! On retrouve pratiquement les mêmes qualités chez la mezzo Enkelejda Shkosa (déjà habituée, elle, à Pesaro !): beauté et richesse du timbre, agilité des vocalises offrant des aigus superbes. Côté voix aiguës, un autre habitué de Pesaro en la personne de Stephen Mark Brown, ténor typiquement rossinien (ah ces graves sonores et larges, miam miam !), avec une souplesse à la vocalise peut-être moins grande que les précédents, mais ne déméritant nullement. Il en est un peu de même pour l'Anna d'Irini Tsirakidis, qui semblait parfois s'économiser vocalement pour certains moments clés, dont la superbe scène finale, où elle se montra fort convaincante (il faut bien dire que le rôle est lourd et long). Son engagement scénique fut par ailleurs remarquable. Bons seconds rôles, et très beau choeur de l'Opéra du Rhin sous la direction de Michel Capperon.

Tout comme Cyril Diedrich s'explique dans le programme sur ses choix face à la partition, le metteur en scène Daniel Slater fait de même dans une longue interview. Il a en effet choisi de transposer l'action du XV° au XIX°, dans les années 1820 précisément, ces années où le destin de la Grèce, qui se rebellait contre les turcs, attirait les regards de toute l'Europe (ce mouvement "inspirera" d'ailleurs les italiens pour leur Risorgimento) Cette transposition, là encore discutable, permet surtout d'orienter l'esthétique du spectacle autour des grandes peintures orientalistes de cette époque, notamment celles de Delacroix dont une superbe reproduction de La Grèce mourante sur les ruines de Missolunghi fait office de rideau de scène, et dont la comparaison avec le personnage d'Anna est évidente. C'est en effet, d'après Daniel Slater, Anna le personnage principal de cet opéra (il est vrai que, tout comme dans Boris de Moussorgsky par exemple, ce n'est pas le personnage-titre qui occupe le plus la scène). Cette esthétique début XIX° va des costumes, sobres et réussis, à un décor beau et ingénieux, fait de colonnes mouvantes selon les scènes, formant des images qui faisaient parfois penser à la production mémorable de Giorgio Strelher pour Simon Boccanegra à Milan sous l'ère Abbado. Très réussis cette proue du navire de Maometto II qui pénètre dans le Palais du premier acte, ces mats qui dépassent en fond de scène au début du deuxième, les colonnes qui se transforment en piliers d'église cachant des niches garnies de bougies etc. Le tout est teinté d'un exotisme discret et de bon goût. La direction d'acteurs est soignée, même si la gestique paraît parfois un peu conventionnelle, et se place dans cette volonté que nous évoquions d'action qui avance. Sur ce point, c'est très réussi.

Un spectacle remarquable donc, qui ne peut laisser indifférent, et c'est une qualité ! C'est surtout l'occasion d'entendre un ouvrage où Rossini fait preuve de grandes qualités d'orchestrateur et d'une maîtrise de l'écriture vocale superbe. Un grand chef d'oeuvre lyrique du XIX°. Merci et bravo donc à l'Opéra du Rhin de nous l'avoir fait découvrir dans de si belles conditions.

par Catherine Scholler

Maometto II, avant-dernier opéra napolitain de Rossini, avait été expressément composé pour la tournée à travers l'Italie de la basse la plus glorieuse de son temps, Filippo Galli. A son intention, Rossini avait composé un rôle d'une grande force dramatique, mi-guerrier, mi-amoureux, sur la plus belle des musiques, et aussi la plus novatrice : la mélodie continue se déploie tout le long de l'oeuvre, dans une architecture complexe d'un seul tenant. C'est dire qu'elle ne supporte ni modification, ni coupure, quoiqu'en pense Cyril Diederich, qui s'exprime sur ses choix « musicologiques » à l'intérieur du programme.

Mais ne boudons pas notre plaisir, car même défigurée par des coupures, cette oeuvre est probablement la plus belle de Rossini, et elle est si rarement montée que cette production est un véritable événement.

Le bonheur est encore décuplé par l'interprétation du rôle-titre, écrit à l'origine pour une star dont la venue à Naples était un événement, et qui exige vaillance, autorité et souplesse, toutes choses que possède à plein le formidable, le prodigieux Denis Sedov. Certains crieront à l'exagération en le voyant comparé à un artiste de l'envergure de Samuel Ramey, tous ceux qui l'ont entendu le confirmeront pourtant : facilité des vocalises, beauté des graves aussi bien que des aigus, présence scénique souveraine, Denis Sedov est un miracle opératique. Et c'est bien pourquoi amputer sa cavatine d'entrée des deux tiers est un crime totalement impardonnable!

Le reste de la distribution ne peut pas s'installer à de tels sommets. Ainsi la soprano Irini Tsiradikis, dans le rôle très long d'Anna, séduit par un physique crédible, un timbre fruité, un beau legato, mais elle gère mal son souffle, ce qui entraîne reprises de respiration bruyante en plein milieu d'une phrase, problèmes de justesses et vocalises régulièrement improbables. L'auditeur est alors soumis au régime de la douche écossaise : une phrase sublime suivie d'une phrase affreuse. Mais la mort d'Anna est bouleversante et emporte l'adhésion du public.

Enkelejda Shkosa chante d'une voix au timbre pas très homogène, mais se tire d'un rôle très difficile avec les honneurs : on est loin du faste d'une Lucia Valentini-Terrani, pour ne citer qu'elle, mais c'est plutôt mieux que beaucoup de mezzos entendues ici et là, il suffit de réécouter Gloria Schalchi dans l'enregistrement de Pesaro pour s'en convaincre. Et puis, on peut rêver : un jour peut-être les directeurs de théâtre se rendront compte qu'Ewa Podles est née pour interpréter ces rôles, et un jour peut-être pourront nous l'entendre dans une intégrale scénique, et pas en récital.

Stephen Mark Brown est moins insupportable que dans son interprétation de Cléomène à Pesaro (version italienne ou française, on n'entend décidément parler de lui que pour ce personnage !) et compte à son actif une voix sonore et une belle présence scénique. A son passif, malheureusement, on trouve un timbre désagréablement métallique, des aigus craqués et des vocalises débraillées et sales.

Les choeurs sont quelquefois un peu anarchiques, l'orchestre est assourdi par une acoustique assez difficile, et Cyril Diederich confirme qu'il n'a rien à faire dans l'univers rossinien.

La mise en scène est intéressante, en ceci qu'elle replace l'oeuvre hors d'un contexte romantique. En effet, Maometto II, composé en 1820, est l'un des traits d'union entre l'opéra seria finissant et l'opéra romantique encore dans les limbes. Il ne peut pas y avoir ici d'héroïne vaporeuse se lamentant et soupirant, de père indigne et d'amant jaloux, même si on en trouve les prémisses. Il s'agit avant tout d'un opéra traitant de la guerre et de l'honneur, thème cher à l'opéra seria. Anna n'est pas un personnage passif, mais une femme décidée et attachée à son honneur, et le metteur en scène l'a parfaitement compris : elle chantera son air d'entrée non pas seule dans sa chambre, mais en soignant des blessés dans un hôpital de fortune, et tiendra tête aux turcs le poignard à la main.

La guerre est donc montrée sur scène, et de façon tout à fait crédible. L'ensemble aurait toutefois gagné à un peu plus de sobriété, certaines scènes virant carrément au grand-guignolesque : traître abattu d'une balle dans la nuque, prêtre poursuivi par des soldats, cauchemar psychanalytique d'Anna auraient pu être évités.

En conclusion, cette production a largement répondu aux attentes des rossinimaniaques de toutes espèces, et on attend maintenant avec impatience de réentendre l'excellentissime Denis Sedov.